‘California Dreaming’, ‘Monday, Monday’ y ‘Words of Love’, llevan su sello.

Fue la última en llegar a The Mamas & The Papas, y fue la que más éxito tuvo tras su separación hasta su trágica muerte, tres años después de la disolución del grupo en 1971.

Su nombre artístico surgió de una admiración y un homenaje. El primero a la actriz Peggy Cass, y el homenaje a un amigo fallecido. Como muchas cantantes Mama Cass, como es más conocida, empezó siendo actriz en el colegio y después mudándose a Nueva York y Washington. Fueron los dos varones del grupo, que ya colaboraban musicalmente, de que Cass debía unirse al grupo, y las malas lenguas dicen que fue Doherty quien convenció a Philips en un momento de debilidad: unas vacaciones en Islas Vírgenes. Sea como fuere, la decisión fue muy acertada. Pero sabes porqué Philips no la quería en el grupo a pesar de su increible voz… porque estaba muy gorda.

Quizá lo más curioso en torno a la figura de Cass es que según ella misma contó, su rango vocal mejoró en tres notas tras recibir un golpe en la cabeza con un tubo de cobre, poco antes de unirse al grupo.

La canción que hoy te traemos se hizo popular más de treinta años después de que la grabase por esta escena de la serie ‘Perdidos’:

Pero nosotros te recomendamos que la veas a ella, y de paso al presentador, que es una versión en negativo del Chiquilicuatre…

Una última anécdota: Para que veas como somos las ‘personas humanas’, cuando Mama Cass murió dos horas después de una actuación en Londres, como estaba gordita, dijeron que se había ahogado con su propio vómito al atragantarse con un sandwich. Ahí es nada. La realidad es que sus kilos tuvieron que ver, pero no de una forma denigrante, sino porque murió de un paro cardíaco.

¿Se puede pasar una personas 30 años haciendo el gamberro? Estudios recientes revelan que no sólo es posible, sino que además hay quien lo ha conseguido hacer en grupo.

El caso más reciente es el de Los Inhumanos, que celebran sus 30 años bailando la conga hablando de sexo, escatología y borrecheras con este ‘Los hombres que amaban a todas las mujeres’. Un título que deja claro que no tienen ningún miramiento en copiar lo que ya está más que trillado.

Lo más original de esta ‘nueva entrega’ de estos desalmados es la distribución del contenido: un repaso de la actualidad al origen según va girando el álbum. El primer tema es ‘el pregón de festejos’, una letra que ensalza los 30 años bajo el título ‘El Rock de la Inhumanidad’. Después vienen ocho nuevos temas ‘recién salidos del horno’.

De la pista 10 a la 13 podemos escuchar temas de la última década, a saber: ‘Alcohol, alcohol, alcohol’ o ‘Macho mán’ (la canción con un ritmo más ’sinuoso’ si este término se les puede aplicar los inhumanos, y con una letra gay bastante graciosa). Cuatro temas los que les han aplicado una barata cirujía plástica.

Entre la pista 13 y 14 hay un temendo hueco, una ‘época oscura’ en la que los Inhumanos debieron dedicarse a destrozar clínicas de desintoxicación.

Y a partir de ahí, la fiesta, o lo que ellos llaman La Época Salvaje. ‘Inhuclásicos mix’ incluye ‘Simca 1000′, ‘Me Duele la cara’, ‘Manué’ (no te arrimes a la pared), y ‘Duba Duba’. Según se anima la fiesta, la borrachera ‘Chatis Mix’ con ‘Mujer caníbal, ‘Pilar’, ‘Eres una Foca’ y ‘Ana’.

Los cinco últimos temas forman La Prehisteria, Inhubonus Tracks (’Estás Nominado’ y ‘Enróllate’) y el Epitafio (que no es más que el típico brindis de golfo borracho).

Los Inhumanos son unos fenómenos. A mi no me gustan, pero escuchando (y leyendo los títulos de) las canciones me he dado cuenta de que me sé la mitad de sus temas… por algo será.

Una pregunta directa, una denuncia de una injusticia, una reflexión clara sobre nuestro tiempo… eso es el reggae de Morodo.

Rebel Action puede ser tanto una revelación como una acción rebelde. Este nuevo disco, es un mapamundi de la actualidad, por el que Morodo nos conduce con esa voz tan característica, sobre los ritmos que le han abierto un hueco entre el Hip Hop en castellano.

Morodo parece más relajado que en trabajos anteriores. Tras un par de escuchas, Rebel Action se afianza en la cabeza, ‘parasita’ tu forma de escuchar los estribillos y le da la forma que su voz quiere.

Este es un disco de confirmación, de entrega y desvergüenza. Confirmación porque ya deja claro que sabe cual es su sonido y por donde debe moverse. De entrega porque tras decenas de colaboraciones por fin se decide a empaquetar un puñado de canciones propias y lanzarlas al aire. Y de desvergüenza porque entre todos los temas que nos recuerdan al Morodo de siempre, nos encontramos el tema más comercial de su carrera… claro, que de algo hay que comer por muy largas que se tengan las rastas. Esta es la prueba gráfica:

El madrileño tiene la parte buena de la mezcla entre reggae y hip-hop: habla lo justo de si mismo, se ocupa más de temas universales que de lo curtido que está de la vida, y se deja llevar por ritmos los pegadizos con dejes jamaicanos.

Con un ojo morado y con la frase ‘este es el comienzo de una bonita amistad’ (en inglés), nos recibe Bigott en la portada de este disco.

Su anterior disco ‘Fin’ (del que en la cara b seguimos enganchados), daba fin a una trilogía, tras la que esta bonita amistad hace que se confirme como uno de los músicos españoles más interensantes en lo que a música en inglés se refiere. Un álbum fresco y divertido que hará las delicias de grandes y pequeños… tópico como de los que Bigott intenta escapar cantando en otro idioma (o al menos eso decía en 2007). Sin embargo, nosotros estamos seguros de que sus ‘tonterias’ no quedarían nunca igual de bien en castellano, como lo hacen en sus discos.

‘Ey tío, ¿tienes alguna idea de los cool que eres?’ así comienza ‘Sparkle Motion’ en la voz de una mujer, tercera canción del disco que Bigott ha grabado en los estudios de Paco Loco, que a este ritmo conseguirá que el Puerto de Santa María de Cádiz cambie de nombre para llamarse Estudio de San Paco el Loco y tenga su propia ruta de peregrinaje. Eso sí, un poco más canalla que la que lleva a Santiago.

Parece poco coherente imaginar a Bigott componiendo, con tan poco espacio de tiempo entre uno y otro, buenos discos. Pero así es. No hay canciones de relleno, pueden ser más o menos de tu estilo pero alguna seguro que toca tus tímpanos con sutileza. Aquí gustan mucho, la mencionada canción ‘Sparkle Motion’, ‘Cool Single’ (con ese sonido ‘grandilocuente’), ‘I´m a little retard’ (más sencillita: de guitarra, batería palillera y estribillo pegadizo), ‘The jingle swing’ (con un palmeo hipnotizante de fondo, coro femenino ‘delicioso’ y esa frase ‘push the bottom of fire )… y el single de presentación, que ya tiene video…

Cómprare el disco pardiez, ¡este artista debe sobrevivir!… pero antes puedes escucharlo aquí (que estas cosas son como la ropa interior: una vez abierto no se puede devolver).

Un consejo y una pista:

El consejo es, si el mundo es víctima de un ataque nuclear masivo y tú eres de los pocos que sobrevive, busca a Sonja Khalecallon y a Los Stroboscopious Luminosos.

La pista, los más fácil es que busques en Las Venus (que no Las Vegas) Resort Palace Hotel, el último lugar que quedará en pie sobre la tierra.

Este hotel de catorce pistas, una de entrada, otra de salida y doce bonitas plantas de habitaciones con decoración de cabaret tropical, es el nuevo juego musical que la brasileña Cibelle nos plante en su tercer disco.

Entre los restos del desastre nuclear Sonja (que no es otra que Cibelle después de tragarse un amplificador) es capaz de recoger a un hombre de marte (canción ‘Man from Mars’) en una lenta y psicodélica cadencia rítmica. Un piano triste (’Sad Piano’), a su propio ‘Frankestein’, y un ‘Sapato Azul’, con una guitarra hipnotizante y con la alegre voz de Sonja al estilo Tribalistas.

Las canciones de ‘Las Venus Resort Palace Hotel’ son, como dice la propia Cibelle, ‘unas gotas para los ojos que mejoran la visión del mundo y desprenderse así del bagaje emocional innecesario, lociones para combatir el antiescepticismo, tarjetas de licencia poética y un botón para apretarlo cuando todo va mal’.

Sólo Rot, sólo Rock… Rock, argentino.

Les guste o no, a la generación de los ‘Tequila’ y ‘Los Rodriguez’ les pusieron al aprender a tocar una marca de agua que hace que su sonido sea identificable.Esto debe molestarle sobre manera al músico en cuestión, pues he podido oír por ahí que ha titulado así el disco para desvincularse de ambos grupos… mala suerte.

El nuevo álbum de este argentino-madrileño tiene la pega de parecer una cama de 12 temas para tan solo 5 buenos. La eterna discusión de si no sería mejor sacar sólo las canciones realmente buenas o dejar que el fan defienda el conjunto.

Igual de tópica que esa discusión es la de si el rock argentino del que Ariel ha sacado brillo durante toda su carrera, nos gusta más cuando es canalla, cuando es más melancólico o cuando el artista se da por desahuciado (que vendría a ser una mezcla de las dos opciones anteriores). Yo me quedo con el canalla, del que hay poco en ‘Solo Rot’.

De todo ello hay en ‘Solo Rot’.. Lo mejor: ‘Manos Expertas’ el tema en el que Leiva y Rubén de Pereza prestan su saber musical (que no su nombre simplemente) para tocar la guitarra y la batería. Temas también buenos: la letra de ‘Una vida equivocada’ y la del tema más jazzero ‘Dandy’. Y si eres incondicional de ese sonido argentino del que hablábamos ‘ Problemas’, o ‘Pólvora mojada’ entrarán en esa lista de grandes temas.

El disco viene además con un DVD con cuatro de los temas grabados en acústico durante la grabación, y el videoclip del primer single, cuyo escenario ha servido para ambientar la caja del disco.

Lo peor, desde mi modesta opinión, que ese single sea un tema tan poco novedoso como ‘Papi dame la mano’:

A su favor, que la gira ha comenzado antes incluso de que el disco esté disponible en las tiendas (lo está desde el pasado 20 de abril de 2010). Puedes consultar las fechas y los lugares aquí.

A los que han visto esta gira de MIKA no les extrañará si le tachamos de lunático. ¿A quién se le ocurre un escenario tan barroco?, ¿a quién pedirle consejo a la primera fila cuando no sabía alguna palabra en castellano para no hablar ni una palabra de inglés durante toda la actuación?… al mismo que se va en taxi de París a Barcelona para seguir su gira por culpa de una nube de ceniza volcánica.

Pocos conciertos están planteados de una forma tan divertida. Los músicos son a la vez actores, y la música el escenario perfecto para un espectáculo de formas y colores, que reune a varias generaciones de melómanos. Para quien no haya estado en un concierto de MIKA nunca, quizá sus videoclips pueden servir de ejemplo del concepto de espectáculo que se gasta el artista.

En esta gira el medio libanés medio inglés ha marcado la diferencia con otros tours internacionales del momento. Su registro vocal es increible, su gusto musical (comenzó con el tema Things Ain’t What They Used To Be de Duke Ellington) ‘estiloso’ y viste sus canciones de un acompañamiento instrumental y coral sin igual (sin miedo a mezclar música grabada y música en directo).

El 19 de abril en el Palacio de los Deportes de Madrid, mostró un extenso repaso a su repertorio, empezando por Relax, pasando por Lollipop y acabando con un ‘Happy Ending’, hay tiempo para todo. La ‘trama’ comienza con un video montaje del lanzamiento (fallido) de una nave espacial y con la colaboración estelar de Sir Ian McKellen, MIKA aparece sobre el escenario vestido de astronauta. Tómese lo de sobre, al pie de la letra, porque el músico aparece flotando sobre el escenario con una maleta de la que saldrá gran parte de los motivos que acompañan el desarrollo de las canciones.

Todo intento de describir lo que pasa en un concierto de Mika sería seguro dejarse fuera, las decenas de coloridos globos gigantes que inhundaron las gradas, las piernas gigantes inchables, las imágenes de la pantalla de fondo, la vestimenta de todos los músicos, la increible baterista negra, el dragón chino que se paseó por el escenario, los personajes sacados del Circo del Sol, el escenario de cuña, la maleta mágica de Mika… o esto otro:

Quizá para los que no somos fans incondicionales nos sobraran un par de temas lentos de más. Pero la capacidad que tiene para hacer a todo el mundo saltar al ritmo de esos siete u ocho canciones inigualables con las que MIKA cuenta. Es emocionante (palabra que definió a la perfección su canción ‘I See You’) vivir la efervescencia (’Grace Kelly’) que se derrocha sobre el escenario, y entre un público literalmente entregado, en canciones como ‘We are Golden’: un canto a la inocencia, a la energía inagotable de un artista feliz.

Uno entra en la sala, sin muchas facilidades porque el aforo está completo con dos días antes del concierto, y cambia de tiempo y de lugar.

Carolina del Norte, mediados de los 70:

La sala repleta de paisanos de James Brown, y del propio Maceo, se mueve a ritmo de la música que precede al concierto, como calentando motores. El saxofonista del rey del funk ha aprovechado uno de los descansos de Brown para dar algunos conciertos con ‘Maceo Parker & All The King´s Men’. Al comenzar ‘Make It Funky’, ‘House Party’ o ‘Chamaleon’ sube la temperatura del recinto un par de grados. Las cabezas se mueven con desenfreno como dialogando con trompeta, trombón y el saxo protagonista, mientras que las piernas siguen el ritmo que marcan el bajo, la batería y la guitarra. En este paralelismo sólo quedarían por enmarcar la voz de Maceo y sus dos coristas (chico y chica), que marcan los momentos en los que las manos del público se alzan al cielo.

El concierto en la Joy Eslava de Madrid el 09 de Abril de 2010 se me antojó muy parecido a ese concierto ficticio, con un par de salvedades. Maceo Parker, aunque en plena forma (ha adelagazado unod kilos en el último año), tiene ya sus 67 años y eso se nota en el tamaño de su ego y en la forma de medir energías con el saxo. Y después, que el público de Madrid no es el público afroamericano de Carolina del Norte de los 70… ni en actitud ni en vestimenta (pobre de Maceo si supiera lo que el público entiende cuando se pone a hablar).

Por lo demás, (entiéndase actitud y calidad de los músicos, tablas y sentido de la improvisación) da igual que su último disco sea de 2007 (Roots & Grooves), o la media de conciertos al año del señor Parker es de 150 (tacatá). Maceo Parker ha nacido sobre un escenario y con un saxo en la mano.

Su mezcla de jazz y funk hizo que los asistentes se prendiesen de temas clásicos del músico, que no hace falta que se sepa el nombre de cada canción o la discografía completa para disfrutar de un espectáculo de más de hora y media al más alto nivel.

Fotos: Almudena Eced