Las noches de insomnio se pueden definir como esas que pueden dar para mucho y son una pérdida de tiempo al mismo tiempo. Da para mucho porque te cruzan por la mente todo tipo de ideas, proyectos (como el sexto disco de Niños Mutantes), nuevas metas (o nuevos temas), recuerdos que pensaste perdidos y que salen solos a flote (’Las chicas en bikini’, ‘Días Complicados’, ‘Mar y Cielo’ y hasta ‘Johhny & Yoli’, nombres todos de algunas de las 14 canciones de este disco).

Los niños mutantes han evitado la pérdida de tiempo en que se convierten las noches de insomino a causa de la mala memoria grabando un nuevo disco lejos de complejos o inseguridades que llenan multitud de discos de artificio. Bajo las cabezas verdes de estos niños mutantes se esconde un sonido indie con más de una década de solera, que ha madurado bajo el sol de Granada.

Junto a ese sonido coloreado por dos guitarras luminosas, un bajo con carga de profundidad y una batería de sonido en estado sólido, la voz de Juan Alberto Martínez presenta algunas de las mejores letras que se pueden escuchar en castellano, como ‘Mi mala memoria’, ‘Mi niño no quiere dormir’ (una pieza de minuto y medio sorprendentemente clara), o la canción que da nombre al disco …

De este ‘Noches de insomnio’ ya se dice que es su mejor disco. De niños mutantes que son de lo mejor del indie/pop en castellano y que no están dónde se merecen. Pero lo que está claro es que más de uno puede perder el sueño dándole vueltas y vueltas a este disco redondo en forma y fondo.

‘Hola, buenas noches, no somos Ráfaga’. ¿Qué forma de presentarse es esa? Pues la de una Annie B. Sweet (Ana, sé dulce) que abría el cartel de los conciertos gratuitos de San Mateo, en la Plaza de la Catedral de Oviedo, el 16 de septiembre de 2010.

¿No le gusta a caso ser la primera? No creo que fuese el motivo de esa parca presentación, es que compartir cartel con ‘Truequedart’ (unos ovetenses representantes del hip hop astur) y Ráfaga, los ‘cracks’ de la música latina (y cabeza de cartel)… claro que esto durante el concierto de Annie yo no lo sabía. Uno escucha el nombre de ‘Ráfaga’ piensa en unos tipos enfundados en cueros, con pelos por la cintura y largos solos de guitarra conocidos como ráfagas… ¿o no? Pues no. Me gustaría preguntárselo a la malagueña, que parecía asustada del cartel de conciertos que estaba abriendo.

Su comienzo fue oscuro, con una canción lenta, que nada merecía a los temas de su ‘Start, Reset, Undo’ que repasó a lo largo de escasamente más de una hora.

Su voz sorprende, engancha, cosa que para un público ‘que pasaba por allí’ como ocurre muchas veces con estos conciertos gratuitos es un arma poderosa. Su banda es un lujo, con un sonido perfecto, con momentos dulces y ‘ráfagas’ más eléctricas.

Entre las novedades destacan las primeras canciones en directo que le escuchamos en castellano, y algún que otro tema nuevo en inglés. Y entre las ‘obligaciones’, su versión del éxito de ‘A-Ha’, ‘Take on Me’ y que utilizó para cerrar el concierto.

Los únicos reproches que se le pueden hacer a Annie es su contacto con el público. Quizá porque no esté acostumbrada a dar conciertos gratuitos (en los que no todo el mundo tiene porqué conocer al artista), o por el cartel del que formaba parte, se mostró no sólo tímida, sin insegura e incómoda.

Si alguien nos dice que el hombre más alto de la tierra es sueco, a casi nadie le extrañará. Sin embargo, si nos dicen que por mucho que se estire el tupé no debe pasar del 1′90 metros (siendo generosos) de estatura, y que encima quiere ser el ‘Kingof Spain’ , algo falla…

Su segundo disco, este ‘The Wild Hunt’, se puede definir como un conjunto de 10 canciones perfectas para el otoño. Su voz cascada, su guitarra limpia, la sencillez (y al mismo tiempo atractivo principal de su música) y las letras cercanas son las herramientas perfectas para fabricar al hombre más grande (alto) del mundo.

Lo fácil con ‘The Tallest Man on Earth’ es presentarlo como una digna consecuencia de la influencia que Bob Dylan ha tenido en Europa, o como el joven telonero con futuro de los ya afamados Bon Iver. Pero sería injusto quedarse ahí.

Kristian Matsson, pertenece a esa nueva generación de suecos (José González a la cabeza) que están emocionando al planeta con su música sincera y sin artificio.

Al mismo tiempo que se trata de 10 canciones de guitarra y voz, no hay más, se trata también de una exaltación de lo básico, del mensaje directo y desgarrado. Es, como descubre su portada, un disco de carretera, de soledad y camino, de silencio a campo abierto.

Quizá el corazón del disco lata en ‘King of Spain’, una de las composiciones más vivas, animadas, que nos pasea por Barcelona, Madrid, Pamplona… y todos los tópicos (siesta, flamenco…) que este sueco conoce de nuestro país.

Pero el disco no tiene desperdicio, cada tema ofrece algo, cada vez que Kristian levanta la voz se hace un silencio en tu interior que te obliga a escucharle y eso genera admiración y estremece al mismo tiempo.

En diciembre lo tendremos en nuestro país. El 1 en Madrid, 2 Barcelona y  3 San Sebastián. El resto de fechas aquí, en su myspace.

Black Sands es un disco de esos que hay que recomendar para escuchar en el transporte público o andando por la calle. Su ritmo guía el de tus pasos, la gente a tu alrededor actúa sincronizada con la base y todo parece por fin armonizado…

Diez años después de empezar a ‘jugar’ con música electrónica de ambiente y trip hop, llega el álbum más redondo de Bonobo hasta la fecha. Con Black Sands, muchos de los detractores de este británico han tenido que retractarse cuando decían que el nombre de Bonobo (una especie de chimpancé que practica el sexo macho-macho, hembra-hembra y hembra-macho) le venía de la capacidad de copiar al resto de productores de trip hop, sin añadir nada sustancial.

Bien, pues estas ‘arenas negras’ son ese paso que Simon Green necesitaba en su carrera. Un disco en el que cada canción prepara para la siguiente, con un desarrollo coherente a lo largo de sus 12 pistas , en las que además de los ritmos sincopados del trip hop y las armonías propias de la música ambiental, ha incluido unas pinceladas de música oriental que le dan al disco un aire de misterio, de exotismo provocador.

El disco comienza con un ‘Prelude‘ de instrumentos de cuerda asiáticos y deriva en otras cuerdas más melancólicas que llevan precisamente el título de ‘Black Sands’, como si esas arenas negras fuesen las del recuerdo. Entre medias hay de todo: desde temas como 1009, un tema de trip hop más puro, oníricos como ‘All in forms‘ o ‘Eyesdown‘, o el tema que mejor resume este álbum, ‘Kiara’, una mezcla de trip hop y ritmos orientales muy conseguida.

Bonobo es una de esas propuestas interesantes, como Cinematic Orchestra, que cobijados bajo el sello Ninja Tunes juega a experimentar con música instrumental y que se están haciendo un interesante hueco en el mercado.

Atentos también a Andreya Triana, el futuro del soul, y la responsable de las pocas voces que se pueden escuchar en ‘Black Sands’, y que en breve tendrá álbum propio.

Un sombrero con los bordes raídos de medio lado, barba de unos días, chaleco y corbata, y una cara de pillo que no puede esconder. Esa es la cuidada fachada con la que Charlie Winston presenta su estiloso sentido musical.

Como si de una partida de Risk se tratase, este inglés del 1978 va conquistando el tablero país por país. Su residencia la tiene en París, desde donde ha conquistado al público francés llegando a ser disco de platino, y su disco está ya disponible en Alemania, Austria y Canadá, y seguro que muy pronto en nuestro país.

De algo le tenía que venir el título a su segundo disco, pues ‘Hobo’ es la manera en la que en Estados Unidos denominan a esos vagabundos de los que todos tenemos la imagen de las películas caminando por un raíl de tren con un palo al hombro del que cuelga un saco con sus únicas pertenencias.

Sus canciones tienen ritmos que en las estantería de las tiendas de discos han llevado a ‘Hobo’ a situarse entre los folk-rock. Un arco amplio donde Charlie Winston ha escondido soul, funk, pop, indie, blues… De hecho, ahí reside el éxito de su disco: entre tanto producto comercial este ‘vagabundo’ ha sacado un disco difícil de encasillar, que tiene canciones para las orejas más comerciales, para los que gustan de canciones sentidas a voz y piano, para los que aprecian el beatbox como base… como decía el anuncio de refrescos, para todos.

Sus letras son claramente imaginativas. En alguna ocasión ha comentado que no le interesa escribir a cerca de lo cotidiano, sino que tenemos una imaginación increible y que tenemos que usarla. Esa idea es quizá la que le ha llevado a escribir canciones como ‘Kick the Bucket’ (estirar la pata), en la que trata la muerte con sentido del humor. Como demuestra el videoclip oficial, algo infantil, pero con su gracia…

Excepto los dos o tres temas del disco más acústicos (de piano y violines, o sólo con la guitarra) el resto del disco se caracteriza por unos ritmos sugerentes como los de ‘Like a Hobo’, ‘I’m a man’ o la canción que abre el disco, ‘In your hands‘, que si ‘Kick the Bucket’ hablaba de la muerte, esta habla de la vida, de la angustiosa vida de los que en estos tiempos dependen de las prestaciones sociales para subsistir y por ende, de la administración…

Tras una actuación en un festival de verano en Francia, una periodista le pregunto ‘¿sabes que para las chicas es difícil olvidarse de ti, porque te consideran un sex-simbol?’. Charlie Winston respondió ‘Sí’ con cara de serio, a lo que la periodista, que esperaba quizá que el artista hiciese un poco de autobombo del tipo ‘qué guapa soy, que tipo tengo’, insistió preguntando qué le parecía eso y él contestó ‘ esa no es mi realidad, todos intentamos presentarnos de la mejor manera sea cual sea nuestro trabajo… además, yo no conozco a esas chicas, no sé si se levantan pensando en si me van a encontrar o saber dónde estoy… eso está sólo en su imaginación, y mi imaginación es muy diferente… de hecho cuando estoy tocando en un concierto y oigo gritos en medio de una canción sin venir a cuento pienso ¡venga, por dios, escucha la música!‘. A mi, sólo por esta respuesta ya me caes bien Charlie. Por fin un guaperas que se sabe la respuesta correcta, sí señor…

Guitarras enérgicas, sonido sucio y voces decadentes definen Beat The Devil´s Tattoo.

BRMC necesitaba un disco como este. Sus dos últimos discos Baby 81 y The Effects of 333 no habían tenido ni una gran acogida por su público, ni un sonido arriesgado. Sin embargo, en las 15+1 canciones del álbum BRCM ofrecen el ‘garage rock’ de Howl, su tercer disco, pero más maduro y directo.

Un salto hacia delante de estos californianos que siempre han parecido estar dando tumbos dentro de su talento: han invocado al diablo, le han hecho un tatuaje y le han paseado por canciones sinuosas como ‘War machine’, acústicas como ‘Sweet Feeling’, o con ritmos aplastantes, como ‘Beat The Deavil´s Tattoo’ una de esas canciones que te obliga a sacar un disco para acompañarla, aunque bien puede defenderse ella sola.

‘El club de la motocicleta’ que tomó su nombre de la banda que lideraba Marlon Brando en Salvaje, ha superado la marcha de su baterista original, los cambios de discográfica e incluso los complejos por los que Robert Been se cambió el nombre en los dos primeros discos por el de R. Turner. El antídoto: letras con implicaciones políticas, y un ’salvajismo’ propio del sur profundo de los EEUU.

Por cierto, el motivo por el que Robert se cambió el nombre era que su padre, el recientemente fallecido Michael Been, era el conocido miembro de la banda The Call, y al que ahora BRMC rinden un sentido homenaje en sus conciertos.

No es un disco redondo, pero sí completo. Tiene dos grandes canciones, una de ellas de la que toma nombre el disco. Otras 4 o 5 a buen nivel (entre las que recomendamos ‘River Styx’ o el piano de ‘Long Way Down’) y el resto según los gustos del consumidor… Ahora, Beat the Deavil´s Tattoo es de obligada escucha:

Ahora sólo les quedan dos caminos, volver a hundirse en las ciénagas californianas o explotar de una vez y hacer de BRMC una banda de referencia dentro del rock garajero.

Por ahora parece que lo más cerca que los vamos a llegar a tener en la Península es en las Islas Británicas, de todos modos, sus fechas completas las tienes aquí.

‘Imagínate a Bob Dylan en un cuarto con una botella de Tio Pepe, Diego el del Gastor a la guitarra, y la Fernanda y la Bernarda de Utrera haciendo el compás. Ahora dile a Bob ‘canta ahora tus canciones’. ¿Qué le entraría ahora a Dylan por ese cuerpecito? Pues lo mismo que a Manuel Molina cuando empieza a cantar por bulerías con sonido eléctrico’.

Esta explícita imagen es el punto 3 del ‘Manifiesto de lo Borde’ con el que Los Delinqüentes pretenden explicar la moral que rige su próximo disco y gira que ahora mismo está en fase de experimentación. Para ello han incorporado entre los garrapateros habituales a Tomasito, prototipo del flamenco fusión y viejo conocido. ‘Garrapatomasiteando’ es el nombre que esta fusión ha recibido la primera vez que han actuado juntos, y que junta a una docena de músicos sobre el escenario.

Tomasito, miembro también del G-5, se suma a la aventura de rendir homenaje a la escena ‘underground’ española de los 60, cuando en plena dictadura se crearon pequeños reductos de libertad, como el formado alrededor de la banda sevillana Smash.

Ellos lo llaman rock con carne, que tantas juergas flamencas les ha inspirado. Nuevas versiones de los antiguos grandes éxitos de Los Delinqüentes en la garganta del también jerezano Tomasito, y temas de éste garrapateados por los otros. Así suenan todos juntos y en revuelto de papas con jamón:

Dicen todos ellos que esto no es más que una campaña de marketing, pero conociéndoles, seguro que al final se cogen cariño y sale algo bonito, o una rica tortilla cósmica, en lenguaje garrapatero… Por cierto, el segundo punto de ese manifiesto es que sólo puede uno corromperse por el palo de la belleza. Y el primero, que no se trata de hacer flamenco-pop, o blues aflamencado, sino de corromperse por derecho. Todos lo que estén de acuerdo con estos mandamientos, permanezcan a la escucha…

‘Aunque a veces he perdido el hilo de la música, ella siempre me ha encontrado’. Así se presenta Zaz, cantante francesa que el 1 de mayo de 2010 presentaba su nuevo disco, nueve días después de cumplir los 30 años…

En 2001 Isabelle Geffroy respodía a un anuncio en el que la orquesta de variedades del sur de Francia ‘Don Diego’ pedía cantante. Isabelle firma su colaboración con una Z. Ya tiene seudónimo. De esa primera banda se lleva las influencias africanas, árabes o brasileñas que se mezclan con el blues que había empezado a estudiar en Burdeos tan solo dos años antes.

En 2006 marcha a París. Se la pudo oír rapear por las calles de Montmartre junto con sus amigos, y cantar en los cabarets y piano-bar del bohemio barrio francés. Un año después llegaría un nuevo anuncio: ‘Se busca voz de jazz cascada’. ‘Esa soy yo’ contestó, y tres años después tenemos en nuestras manos Zaz. Este disco homónimo es una de las joyas de lo que ella misma califica como nu-jazz, soul y acústica.

Lo cierto es que se trata de un disco de canciones pegadizas, animadas y que son buena compañía a cualquier hora del día. En Francia están volcados con ella: una conocida tienda de origen francés ya vende sus discos en nuestro país, y el diario, francés, Le Figaro ha dicho ‘una voz que molesta y seduce’. No estamos de acuerdo, su voz es perfecta para el jazz manouche que salpica todo el disco, para los estribillos pícaros.

La autoría de la mayoría de las 11 canciones del disco se la reparten la propia Isabelle y Raphaël (no el nuestro, sino el joven francés Raphael Haroche, de padres argentina y ruso marroquí). Y aunque el idioma se nos pueda escapar un poco, la espectacularidad de la composición de la melodía supera cualquier reticencia o pereza al oir cantar en francés.

Canciones como ‘Les passants’, ‘Le long de la route’ o ‘Prends garde à ta langue’ bien podían haber sido el single de presentación… sin embargo, ha triunfado ‘Je veux’ una canción que desde el primer segundo te arrastra hasta marcarte a fuego el ‘pa para papa parai’. Pulse y pruebe usted mismo a continuación!!

Aunque en nuestro país aún no sea muy conocida, ha llegado a actuar en Hendaya ante 10.000 personas (no con banda sino rapeando). Pero esto no es extraño en Zaz, que ha hecho ya una gira por Egipto con Raphaël, ha actuado en Chile, en Siberia, en Casablanca y hasta en una mina de sal en Colombia… Esperamos escucharla pronto por nuestro país.

Más sobre Zaz aquí

Oir por la calle a gente tarareando las canciones de Kiko Veneno es bastante habitual. Sus canciones son sabiduría popular, y ahora esas letras cercanas se materializan bajo el título ‘Dice la Gente’. Se cierra el círculo en su voz y su guitarra.

Este catalán criado en Cádiz vuelve con ‘la oreja caliente’ (como cuenta en ‘La Chispa’) de tanto escuchar lo que dicen desde la ‘Rama de Barcelona’ hasta ‘Andalucía’, títulos de canciones que recorren estas 12 nuevos temas susceptibles de convertirse en parte del refranero popular.

Canciones como ‘Cadena de Oro’, título sugerente que esconde en su interior mentiras de plata, de esas que hacen que el mundo no consiga cambiar para mejor. O ‘El Duende’, el flamenco, que en la pista 8 del disco se convierte en un duende del jazz., estiloso y juguetón, como el propio Kiko Veneno.

Para Kiko Veneno la gente dice muchas cosas… se habla de ‘Agua de grifo’ , del  ‘Pájaro en el cable’ de Leonard Cohen, de un ‘Mosquito suicida’ o de que harán ‘Cuando caiga la noche’.

Entre las joyas que se extraen al escuchar el disco, salen perlas como ’se muere uno muchas veces, y yo me muero por ti…’, ‘el día es un chicle, se puede estirar…’, ‘te miraba y me callabas, niña presumida…’, ‘esta noche está la luna rajita de melón’, ‘en vez de buscar venganza, ¿por qué no aprendes a buscarte la vida?…’.

El single de presentación se llama ‘la Rama de Barcelona’ y es una mezcla perfecta de los sonidos que guarda este ‘Dice la Gente’… aunque su videoclip resulte algo desconcertante:

Han pasado 5 años desde que Kiko Veneno sacó ‘El Hombre Invisible’, el 7 de septiembre sale a la venta su nuevo disco que esperamos que le lleve a los escenarios de medio (o más) país. Por el momento se le podrá ver en San Boi de Llobregat el 10 de septiembre, y el 17 en Sevilla. El resto de fechas las puedes ver aquí

Después de un estupendo periodo vacacional ‘La Cara B’ comienza a desperezarse.

Para arrancar  esta nueva y prematura temporada, volvemos a recurrir a la magia de uno de esos ‘oldies’ que uno no se cansa nunca de escuchar.

A muchos les sonará esta canción de Steelers Wheel de la película Reservoir Dogs de Tarantino, y no es para menos: este fue el gran e incomparable éxito para el grupo. Un millón de copias vendidas, hizo de estos escoceses una leyenda de los ‘One Hit Wonder’.

El secreto: ese estribillo inovidable, el estilo tocando el slide con un botellín y el buen rollo que ya en 1972 transmitían estos melenudos y que en 2010 aún perdura…